El nacimiento de la música electrónica.

Toda palabra hablada requiere de música para expresarse, porque la música es el arte de combinar sonidos y silencios, y en eso consiste el deseo de la voz articulada del corazón humano: expresar mediante sonidos y silencios una forma de arte. El arte es único e indivisible y su propósito consiste en enseñarnos aquello que es eterno, infinito e ideal, y a su vez, nos invita a unirnos con él.

Hablamos de música electrónica gracias a la integración de equipos electrónicos y computarizados para la creación de sonidos y efectos diferentes que dan a cada género un concepto diferente sin cambiar las melodías de las canciones.La música electrónica no llegó para situarse en un solo patrón musical, al contrario, son muchos los ritmos y estilos que han dejado que guitarras, samplers, secuenciadores, sintetizadores y computadoras, nutran sus sinfonías creando una verdadera revolución musical.

Un poco de historia.

Aunque parezca increíble, el nacimiento de la música electrónica se remonta a finales de siglo XIX y principios del siglo XX, cuando compositores de vanguardia pensaron en crear nuevas tecnologías para exceder los límites de instrumentos tradicionales. Gracias a esta idea, Robert Meyer y Herbert Eimert se atrevieron a dar los primeros pasos para crear un nuevo lenguaje musical y una nueva estética aplicada a la melodía para lograr que se hablara de “la prehistoria de la electrónica”.

En los años 50, la música electrónica se inició como música experimental y comenzaron a escribirse las primeras piezas en las que se combinaban sonidos naturales con sonidos creados por instrumentos electrónicos.

Entre los 60 y 70 surgieron grandes avances, no sólo se empezaron a fabricar sintetizadores y amplificadores que permitían tocar en vivo, sino que además se empezaron a incluir efectos especiales. Hoy en día, éstos son utilizados cada vez más con propósitos comerciales, desde los anuncios de televisión hasta la música para películas de ciencia-ficción. Si bien la música electrónica comenzó dentro del ámbito académico, en pocos años fue adoptada por la cultura popular.

En la década del ´60 los sintetizadores trascendieron la barrera de las elites vanguardistas. En 1968, Walter Carlos (quien luego cambió de sexo y pasó a llamarse Wendy Carlos) grabó una serie de obras de Johann Sebastian Bach en versión electrónica. En el disco (Switched-on Bach) colaboró Bob Moog, creador del considerado “primer sintetizador comercial”, entre ellos el moog y el moog modular. Para ver la trascendencia de su invento, puede chequearse la tapa de Adiós Sui Generis. Por su parte, Wendy Carlos también se basó en la electrónica para componer la banda de sonido de La Naranja Mecánica, de Stanley Kubrick.

Las primeras máquinas se desafinaban fácilmente. Sin embargo, algunos referentes del rock sinfónico y la canción se animaron a incluirlas: Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer) tocaba sintetizadores en vivo, mientras The Beatles incorporaba un melotrón (antecedente del sampler) en “Strawberry fields forever”.

A medida que se desarrolló la tecnología, los aparatos se volvieron más económicos y portátiles. A mediados de los ´70, el uso de la electrónica era tan común que Queen anunciaba en sus discos la ausencia de sintetizadores para diferenciarse de la moda. El sonido de las máquinas resultó la plataforma para el nacimiento de la música industrial.

En los setenta, las principales figuras de la música electrónica eran el inglés Brian Eno y los alemanes Kraftwerk. Brian Eno, reconocido experimentador con sintetizadores y productor, es considerado como el padre del ambient, genero que más adelante explicare con detenimiento; Kraftwerk por otro lado, se definían como hombres-maquinas (uno de sus temas se llamaba “We are the robots”) y en vivo tocaban detrás del escenario mientras que en el mismo ponían robots que hacían de ellos (o sino tocaban ellos mismos caracterizados como androides, en serio parecían maniquíes, solo que estos últimos tenían mas vida). Para ese entonces, el auge de ambos trazó el momento bisagra: la fusión de pop y electrónica marcó el pulso del baile y tuvo gran influencia en Estados Unidos.

A comienzos de los ´80 aparecieron los sintetizadores y samplers digitales, aunque los primeros aparatos costaban más de cien mil dólares. El electro-pop o techno-pop ingles de los ochentas popularizo el sintetizador y la música generada por instrumentos electrónicos: New Order, Gary Numan, Japan y Pet Shop Boys eran los osados que subían a escena con sus sintetizadores para en cierta manera derribar la representación social mas importante que tiene el rock: el guitar hero.

La historia del rock se había escrito gracias a estos “próceres”, que sin caballo pero con guitarra se habían ganado el bronce: Hendrix, Townshend, Clapton son sepultados por entusiastas muchachos que pulsaban botones (se imaginan algún poster del tecladista de los Pet Shop Boys, con la mirada baja en su sintetizador, muy poco vendedor); la representación social de la estrella de rock se desvirtuó.

El cenit de esta etapa lo alcanza el cuarteto ingles Depeche Mode llenando estadios de fútbol en Estados Unidos en su gira de presentación del disco “Music for the masses” Sin embargo en el underground comienzan a gestarse los primeros intentos por hacer música verdaderamente electrónica. Si bien Depeche Mode, Pet Shop Boys o Erasure solo usaban sintetizadores, sus canciones eran pop, se podrían tocar con instrumentos eléctricos, incluso con instrumentos acústicos, es decir, conservaban una base pop heredada de grupos de guitarras.

Había una ruptura de medios, no había una ruptura en términos de formas. Gente como los 808 State en Inglaterra y Derrick May, junto con Kevin Saunderson y Juan Atkins en EE.UU. sentarían la base de lo que se consumiría en las discos under de fines de los ochentas. El tecno de Detroit, el house y acid house de Chicago y miles de tendencias mas que se mezclan, constantemente degeneran en los miles de estilos puramente electrónicos. Los estilos iniciales abrieron las puertas a la llegada del dance a las discotecas, y en los 90 ya la música electrónica se consolidaba prácticamente en todo el mundo.

Surgimiento de algunos géneros

Techno: Nació a principios de los años 70 en Alemania, y su paternidad se le atribuye al grupo Kraftwerk.

Rock Psicodélico, sinfónico y/o espacial: El boom de este tipo de rock se produjo a finales de los años 60, y sus precursores son Pink Floyd, King Crimson, Génesis.

Música electroacústica completa: Gente como Milton Babbit o Mauricio Kagel, entre otros, son pioneros en la producción de música exclusivamente electrónica.

Música minimalista: En esta corriente se destacan músicos como Steve Reich y Philip Glass, podría describirse como repetitiva y heredó un poco el estilo de la electroacústica.

Jazz electrónico: El ejemplo más claro del jazz electrónico es el compositor brasileño Wagner Tiso, quien es sus melodías ha sustituido parcialmente los instrumentos típicos del jazz por sintetizadores.

Durante los ´90 y hasta nuestros días, el desarrollo y la fusión de la electrónica con otros géneros continúan. El debate también.

Fuente: Carla Ferretti para Dancelatinoamerica.com